Teatro de una Noche de Verano Hilo Producciones y Ábrego Cantabria

‘La Fuga’
Rita Cofiño Producciones

LA FUGA es un texto de Isaac Cuende nunca representado, escrito en 2014 y publicado póstumamente en 2016.
LA FUGA es una obra singular con un solo actor en el escenario, y sin embargo no es un monólogo, es un espectáculo plural: teatro, cine, música, luz y sonido. Teatro de visiones más que de sermones (Piscator). Acción permanente.

El argumento
Un ciclista corre el Tour de Francia. Fugado y lejos de sus compañeros de equipo, sostiene una conversación entrecortada con su manager a través de auriculares.
En el deporte lo importante es el espectáculo. En las competiciones o en el Tour hay que batir records, ganar etapas. La afición exige superhombres, campeonísimos.
Para conseguirlo hay una fórmula infalible: el dopaje. La EPO y otras sustancias son pócimas milagrosas. Te inyectas una dosis y vuelas sobre la bicicleta.
ERITROPOYETINA: un producto barato de laboratorio. Un ciclista bien aconsejado apenas tiene riesgo. Solo mueren por dopaje los que no saben controlarse.
Los ciclistas son muchachos jóvenes y ambiciosos con ganas de convertirse en leyenda. Pero hubo uno extraordinario y medio loco que, además, se estimulaba con la música de CHARLIE PARKER y las consignas del CHE GUEVARA: Marco Pantani.

La Compañía
Rita Cofiño Producciones Escénicas nace de la necesidad de crear y dirigir proyectos propios a finales de 2019, en Santander.
Con una apuesta escénica principalmente de teatro de texto, abarca también otras líneas de trabajo. Rita Cofiño, Licenciada en Interpretación por la RESAD de Madrid y con una larga trayectoria como profesional de la escena, alterna su labor de actriz, con la dirección y la docencia. Como artista independiente colabora con diferentes compañías y artistas. Actualmente tiene dos proyectos en marcha: "Poesía en alta voz" y “La Fuga. Una etapa con Pantani”.
Poesía en Alta Voz, junto a Rosa Gil, es el nombre genérico bajo el que se presentan diferentes recitales poéticos. Es un acto literario: la lectura de una selección de textos de algunas de las poetas y los poetas más importantes y significativos en lengua castellana.
La Fuga se estrenó el 27 de junio del 2020 en La Sala Pereda del Palacio de Festivales de Cantabria, dentro del programa “La Cultura Contraataca, únete a su fuerza”, siendo la primera representación de teatro en vivo realizada en el país después de la crisis sanitaria.

Los personajes
Marco Pantani: Juan Antonio Sanz.
Mánager (voz en off): Sandro Cordero.

Ficha artística
Autor: Isaac Cuende.
Dirección: Rita Cofiño.
Intérpretes: Juan Antonio Sanz y Sandro Cordero.
Diseño y realización de luces: Pancho V. Saro.
Maquillaje y caracterización: Carolina Cubría.
Escenografía y vestuario: Koiki.
Creación audiovisual: Burbuja Films – Álvaro de la Hoz.
Espacio sonoro: Mr. Wonder.
Edición sonido: Alex Pis.
Estudio de grabación: A-Lone Ark Muzik Studio.
Construcción bastidor de pantalla: Metaltec
Guía didáctica: Tobías Lobera.
Dossier: Montserrat Cubría
Fotografía: Áureo Gómez
Diseño cartel: Mutta Estudio
Espectáculo producido por: Elena Colvée
 
El autor
Isaac Cuende (Santander, 1930-2015)
Dramaturgo, poeta, actor y director de escena. Su obra poética cuenta con once títulos publicados. Cofundador del grupo poético “Cuévano”, sus poemas han sido escenificados y musicados. Es creador e intérprete de numerosos espectáculos-recitales poéticos, bajo el epígrafe “Poesía en alta voz”. En 1983 crea el grupo Bululú. En 1984 funda el Aula de Teatro de la Universidad
de Santander. Con Rosa Gil crea en 1989 Panteatro, grupo en el que interviene como autor, actor y director en producciones para la infancia. Su faceta de dramaturgo es extensa con varias obras publicadas y once de ellas representadas.

La directora
Rita Cofiño (Gijón, 1967)
Licenciada en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid – RESAD (1994) bajo las enseñanzas de Antonio Malonda. Completa su formación con maestros como José Carlos Plaza, Miguel Narros, Vicente Fuentes, Alfonso Romera, Luis Olmos, Jorge Eines o Alberto Miralles.
Ha trabajado profesionalmente como actriz de teatro, series de TV y cortometrajes. En teatro con Higiénico Papel Teatro en “King Richard” (2006) de W. Shakespeare y “Doctor Fausto” (2010) de C. Marlowe, bajo la dirección de Laura Iglesia; con Uroc Teatro, dirección de Olga Margallo en “Qué es la vida” (2003) de A. Muñoz de Mesa – Premio FETÉN 2003 y Premio Max 2004 Mejor Espectáculo Infantil; “La Fiesta de los Comediantes” (2001) de L. Matilla y “Al son que nos Tocan” (1995) de A. Onetti bajo la dirección de Juan Margallo; con Teatro Elfo en “Jacobo” (1991) de E. Ionesco, dirección de Alfonso Romera; con Marcus Von Watchel en “Gladiators” (Clausura del Festival de Mérida 1993) y con Antonio Malonda en el “Mal de Juventud” (1993) de F. Bucker y “Marat Sade” (1994) de P. Weis.
Ha participado en varias temporadas de numerosas series de televisión – “Hospital Central”, “Un lugar en el mundo”, “Manos a la obra”, “Calle Nueva”, “El Botones Sacarino” o “La Verdad”– y cortometrajes: “Soliloquios” de D. Gálvez, “Todo incluido” de M. Díaz, “La lista” de Álvaro de la Hoz. “Monstruos de la Electricidad” de A. Macasoli o “Póstuma” de I. Pérez Pardo.
Asimismo, ha trabajado como secretaria de producción para José Antonio Escrivá y como Acting Coach para series de TV como: “El Botones Sacarino” y “Calle Nueva”.
Con La Machina Teatro, ha co-dirigido con Francisco Valcarce “El niño erizo” (2014) de D. I. Luque, además de participar como actriz en “En alta mar” (2010) de S. Mrozek -Premio Max 2012 Mejor Espectáculo Revelación- y en “Casquería fina” (2016) de I. Cuende.
En 2017 comienza a realizar lecturas poéticas con Rosa Gil: “Mediahoraconcuende” para la inauguración del Salón de Actos Isaac Cuende en el Centro Cultural Doctor Madrazo de Santander; “No me gusta que me llamen poetisa” para las Jornadas Literarias de la Feria del Libro de Santander (2018); veladas poéticas “Poesía en alta voz” para Ayuntamiento de Santander (2019) y el recital poético “Dieciocho años alnorteando” para la inauguración de la XVIII Semana de Arte Contemporáneo de Asturias - AlNorte (2019).
En 2018 participa como ponente en los II Encuentros de Creadoras Escénicas del 64º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con la ponencia “Lisístrata: visión de una puesta en escena” para la mesa “Las griegas y la resignificación del relato”. En 2019 trabaja como actriz para Hilo Producciones en las lecturas dramatizadas “Cuentos del Mundo” para la Red de Bibliotecas Municipales de Santander, en “Cuentos que nadie te cuenta” para el proyecto “Déjate ver” de la ONCE y en el espectáculo teatral “Tal vez soñar” de S. Cordero sobre textos de Shakespeare.
Como docente ha impartido talleres de teatro, expresión y comunicación en diferentes centros escolares de Madrid y Santander, en ONCE – Cantabria, en los Centros de Profesorado – CEP de Santander y Laredo, y en la Casa de Cultura y Escuela Portuguesa de Quelimane (Mozambique).
Ha colaborado como asesora y formadora en el Proyecto de Investigación Docente - PID “La dramatización como medio para aprender y enseñar” del Departamento de Educación de la UC, Área de Psicología Evolutiva y de la Educación.
Como coordinadora y directora de escena en la “Noche de los Investigadores. Microteatro Científico 2018” del Vicerrectorado de Investigación y Transferencia del Conocimiento de la UC. Desde 2012 desarrolla actividad docente y de dirección escénica en el Aula de Teatro de la Universidad de Cantabria - UC, donde se ocupa de impartir un Taller de Dramatización semanal, y dirige el Grupo de Teatro UC. Ha puesto en escena “La cantante calva” (2013) de Eugène Ionesco; “La boda de los pequeños burgueses” (2014) de B. Brecht; “La Cocina” (2015) de A. Wesker; “Terror y miseria en el primer franquismo” (2016) de J. Sanchís Sinisterra; “Lisístrata” (2017) de Aristófanes, versión libérrima de I. Cuende; “La función por hacer” (2018) de M. del Arco y A. Tejada, versión libre de “Seis personajes en busca de autor” de L. Pirandello –Premio FITUA 2019 a la Investigación Dramatúrgica–; “Pensión Conchita” (2019), Disparate Escénico de I. Cuende y “La traición en la amistad” (2020) de M. de Zayas.
En 2019 participó en el Encuentro Internacional de Artes, Emociones y Creatividad del Centro Botín de Santander con la dirección artística de la acción performativa “La Gran Vaca Mecánica” de L. Bo Bardi dentro de las experiencias artísticas para el encuentro “Artefactos Móviles”.
Desde 2017 es miembro del Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional, donde ha participado en los talleres: “Dramaturgias Kafkianas” impartido por Diana I. Luque (2018) o “La dramaturgia actoral y los procesos de creación colectiva” impartido por Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez de Teatro en Vilo (2018).
Desde 2018 es socia de Clásicas y Modernas, Asociación para la Igualdad de Género en la Cultura, donde ha participado en los talleres de prácticas escénicas con las directoras Carme Portaceli y Marta Pazos.

Los actores
Juan Antonio Sanz (Venezuela, 1983)
Formado en el Aula de teatro de la Universidad de Alicante bajo la dirección de Juan Luis Mira, realiza numerosos cursos de interpretación escénica con Ramón Fontseré, Xavi Castillo, Jesús Cracio, Pepe de Jiménez y Mariano Barroso entre otros. En el año 2009 participa en el festival de Almagro con las Huellas de la Barraca, proyecto bajo la dirección de César Oliva. En 2010, recibe el premio Mejor Actor Festival de Teatro Alicante a Escena, y actúa con las compañías profesionales El Teatro del Buscavidas, Plan de Fugas y Lulo Producciones bajo la dirección de Alberto Alfaro. En 2014 interpreta a Mark Chapman en el montaje "El guardián que disparo a Lennon" de R. Hurdford. A partir del año 2016 es un habitual en los montajes del Grupo de Teatro de la Universidad de Cantabria siempre bajo la dirección de Rita Cofiño.

Sandro Cordero (Cudillero, 1971)
Comienza su formación como actor en el Instituto del Teatro y las Artes Escénicas del Principado de Asturias - ITAE, donde cursa estudios de Arte Dramático entre 1992 y 1996.
Completa estos estudios con diversos talleres y cursos que abarcan todas las disciplinas de su profesión: interpretación con Owen Horsley, Hassane Kouyaté, Leon Rubin; voz, con Concha Doñaque, Vicente León y Vicente Fuentes; danza, con Cesc Gelabert; dramaturgia, con Maxi Rodríguez; técnica de máscara, con Mar Navarro; expresión corporal, con Andrés Corchero.
Sus primeros trabajos profesionales son “La Dama Boba” de Lope de Vega con la compañía Réplika bajo dirección de Jaroslaw Bielski; “Hotel Calamidad” con Labi e Bel, dirigida por Emilio Goyanes y “Galileo” de B. Brecht, coproducida por el Teatro Jovellanos de Gijón y Teatres de la Generalitat Valenciana, dirigida por Santiago Sánchez.
Desde entonces comienza una estrecha relación artística y creativa con Santiago Sánchez y su compañía L’om-Imprebís que le lleva a protagonizar “En la soledad de los campos de algodón” (2001) de B. M. Koltés dirigida por Michel López, y “Quijote” (2003) dirigido por el propio Santiago Sánchez, espectáculo con el que realiza más de 600 representaciones en la casi totalidad de los grandes teatros españoles, Francia, México, El Salvador, Perú y Guinea Ecuatorial. Producidas por L’Om-Imprebís y dirigido por Santiago Sánchez, realiza: “Don Juan” (2008), “Calígula” de A. Camus (2010) y “Tío Vania” (2012).
Simultáneamente protagoniza otras producciones, como el “Ubú Rey” de Á. Rigola para Teatro de la Abadía de Madrid (2002); “Los mejores scketches de Monty Python,s: Flying Circus”, producción de Yllana dirigida por Joe O’Curnee y Santiago Sánchez; “Carne de gallina” de M. Rodríguez, con la que logra el Premio OH! 2015 al Mejor Intérprete Masculino y es candidato a los Premios MAX Mejor Actor Protagonista 2015; “El rector” producida por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo, o “La Gaviota”, con Teatro del Norte, ambas dirigidas por Etelvino Vázquez.
Ha realizado varios trabajos en el mundo de la lírica entre los que destacan: Atenedoro en “La Revoltosa” dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente para los Teatros del Canal; Felipe V en “Farinelli, el castrado del rey Felipe” dirigida por Gustavo Tambascio también para los Teatros del Canal; Orson Welles en “El sueño de una noche de verano” dirigido por Marco Carniti y Tarugo en “La boda y el baile de Luis Alonso” dirigida por Santiago Sánchez, ambas para el Teatro de la Zarzuela.
Aunque su carrera es eminentemente teatral, no está exenta de incursiones en la gran pantalla: “Carne de Gallina” de J. Maqua, “Horas de Luz” de M. Matjí, “Reinas” de M. Gómez Pereira, “Pájaros de papel” de E. Aragón y “Enterrados” de L. Trapiello. Es "la mitad artística" habitual en los proyectos teatrales y formativos de Hilo Producciones: “Desdémona” de A. Conejero fue su primera dirección teatral con la que consiguió el Premio INDI Festival 2009 Mejor Dirección; anteriormente fue ayudante de dirección con Maxi Rodríguez en “A Bocados”, producción del Centro Dramático Nacional, y con Santiago Sánchez en “La Mujer Invisible” de K. Adshead. Con “I love Catalina”, de la que es autor, director e intérprete, consiguió un nuevo Premio INDI Festival 2011 Mejor Dirección. El montaje fue nominado a los Premios MAX de Teatro como Espectáculo Revelación. También es director, autor e intérprete de “Criados y bufones”, merecedora del Premio OH! 2014 Mejor Autor Teatral; “Anónimo”, su particular versión del Lazarillo, fue nominado Mejor Espectáculo Premios OH! 2016; “Crake (cuando el mundo era un niño)”, codirigido con Roca Suárez y seleccionado para el FETEN 2018; “Cervantada” y “Tal vez soñar” (2019).

El diseñador de iluminación
Pancho V. Saro (1969)
Ha diseñado la iluminación de espectáculos como “Tal Vez Soñar’, Crake” y “Cuentos de las 4 estaciones” de Hilo Producciones o “Cartas de las Golondrinas” de Escena Miriñaque, Premio MAX al Espectáculo Revelación 2013. Como técnico en gira ha colaborado con diferentes producciones y compañías: Hilo Producciones, La Machina Teatro, Escena Miriñaque, Abrego Teatro, La Estampa Teatro o Teatro del Cuervo.
Ha sido técnico de Iluminación en la Muestra Internacional de Teatro Contemporáneo De Santander, organizada por la Universidad de Cantabria; asistente a la dirección técnica en el Festival Internacional de Santander – FIS, y director técnico del proyecto Teatro de una Noche de Verano y del Festival de Danza La Espiral Contemporánea en sus cinco ediciones.

La make-up artist
Carolina Cubría (Santander, 1967)
Trabaja profesionalmente, como diseñadora de vestuario y caracterización desde hace 25 años. Licenciada en la Real Escuela Superior de Arte Dramático - RESAD (1991), comenzó su formación en caracterización y peluquería pera cine y teatro en Madrid con Juan Pedro Hernández, estudios que completó en Berlin con Kryolan y en la Complections International School de Londres. También es licenciada por el Instituto de Arte del Teatro Colón de Buenos Aires – ISATC (1995), en caracterización, realización de pelucas y diseño de vestuario para opera y danza. En 2013 fue seleccionada por Paco Delgado, dos veces nominado al premio Oscar, como participante en el curso magistral de vestuario cinematográfico “5 días. 5 películas. El vestuario en el espectáculo y el trabajo del figurinista” en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo – UIMP. Desde 1998 está afincada en Italia donde trabaja en producciones cinematográficas, de ópera y teatro con directores de fama internacional como Franco Zeffirelli, Pierluigi Pizzi, Roberto Recchia, Neumuntas Nekrosius, Emma Dante, Andrei Konchalovsky, Angelica Liddell, Rafael Álvarez - El Brujo, Alexandr Sokurov, Alessandro Barrico y Robert Wilson, por citar solo algunos. Desde el 2008 diseña vestuario y escenografía para la compañía teatral La Trappola de Vicenza-Italia obteniendo, entre otros, el Premio Nacional FITA Italia 2015, Premio Internacional Marcello Mascherini 2016 y el Premio 30° Festival Nacional Maschera d’Oro los tres en la categoría de vestuario y escenografía. Como docente, tiene una larga experiencia de formación en ambas disciplinas, habiendo desarrollando cursos y talleres en escuelas de danza, cinematografía, dirección escénica y formación actoral en Santander, Madrid, Italia y Buenos Aires.

El creador audiovisual
Álvaro de la Hoz (Santander, 1977)
Es licenciado en Historia y graduado en Montaje por la Escuela de Cine y del Audiovisual de Madrid, donde se forma bajo la tutela de veteranos profesionales como Miguel González Sinde o Pedro del Rey. Con una gran diversidad temática y formal, su cine se caracteriza por un acabado detallista, protagonistas fuertes a la vez que introvertidos y una reinterpretación de la realidad cotidiana que flirtea a menudo con lo fantástico. Sus últimos filmes como la pieza experimental 'Fuego' (2015) y los cortometrajes 'Sentinel' (2016) y 'Frightening Woods' (2017), exploran las posibilidades del cine narrativo sin diálogos. Actualmente se encuentra ultimando la postproducción de su primer largometraje 'Hazlo por mí¨. En 2006 funda junto a otros cineastas la productora independiente Burbuja Films con la que dirige trabajos de ficción, videoclip y documental seleccionados y premiados en festivales de todo el mundo. Burbuja Films. Desde hace más de diez años, Burbuja Films es una de las productoras de referencia en el audiovisual cántabro. Por sus filas han pasado decenas de técnicos y profesionales, sus producciones han visitado festivales de todo el mundo y su labor formativa y las frecuentes colaboraciones con cineastas locales han contribuido a dinamizar el mundo del corto en Cantabria. La producción de Burbuja Films combina trabajos comerciales de gran calidad técnica realizados para clientes como la Fundación Botín, la Universidad de Cantabria o el Gobierno de Cantabria con proyectos propios en el ámbito de la ficción, el documental o el videoclip.

‘Cervantada’
Hilo Producciones

Miguel de Cervantes escribió el Quijote, la mayor novela en lengua castellana de la historia de la literatura (“la historia más bella y triste jamás escrita”, dijo de ella Dostoyevski), y en ella creó dos personajes que trascienden y sobrepasan a su propio autor.
Se puede hablar hoy de la “España del Quijote” con más propiedad que de la “España de Cervantes”.
En Cervantada, el inmortal Sancho Panza nos hablará de su amistad personal con el propio Cervantes (al cual le relatará las aventuras que después don Miguel escribirá para la posteridad). Y aprovechará para aclarar ciertos puntos oscuros del libro, para rebatir “licencias” que el escritor se tomó, para reivindicar su parte de autoría en el gran clásico literario.
Sancho ha callado durante demasiado tiempo.
Ahora, animado por los fastos del centenario de la muerte de su amigo, se ha decidido a hablar; y lo hará desde el escenario, un lugar que Cervantes amaba pero al que se le negó el acceso que merecía.
Porque Cervantada es, sobre todo, un homenaje al mayor escritor en lengua castellana.
A través de Sancho viajaremos, partiendo del Quijote, por toda la producción cervantina, menos conocida: el teatro y la poesía.
Y todo ello, como siempre en hilo, desde el humor, desde una visión actualizada, lúdica y pedagógica de nuestros clásicos.
Texto y Dirección: Sandro Cordero.
Escenografía y Audiovisual: XCreativos.
Realización de escenografía: Tois Carpintería.
Vestuario: 2Hadas y Mª José Mínguez.
Iluminación: Pancho Villar.
Producción: Begoña García.

Sandro Cordero
Comienza su formación como actor en 1992 en el Instituto del Teatro y las Artes Escénicas del Principado de Asturias (ITAE), donde cursará estudios de Arte Dramático, hasta 1996. Completa estos estudios con diversos talleres y cursos que abarcan todas las disciplinas de su profesión: interpretación con Owen Horsley, Hassane Kouyaté, Leon Rubin; voz, con Concha Doñaque, Vicente León y Vicente Fuentes; danza, con Cesc Gelabert; dramaturgia, con Maxi Rodríguez; técnica de máscara, con Mar Navarro; expresión corporal, con Andrés Corchero, son algunos ejemplos. Sus primeros trabajos profesionales son La Dama Boba de Lope de Vega con la compañía Réplika, bajo la dirección de Jaroslaw Bielski; Hotel Calamidad con Labi e Bel, dirigida por Emilio Goyanes y Galileo de Bertolt Brecht, coproducida por el Teatro Jovellanos de Gijón y Teatres de la Generalitat Valenciana, dirigida por Santiago Sánchez. A partir de este momento, comienza una estrecha relación artística y creativa con Santiago Sánchez y su compañía L’om-Imprebís, que le lleva a protagonizar En la soledad de los campos de algodón (2001) de Bernard Marie Koltés, dirigida por Michel López y Quijote (2003), dirigido por el propio Santiago Sánchez, espectáculo con el que realiza mas de 600 representaciones en prácticamente la totalidad de los grandes teatros españoles, Francia, México, El Salvador, Perú y Guinea Ecuatorial. Producidas por L’Om-Imprebís y dirigido por Santiago Sánchez, realiza: en 2008 Don Juan; en 2010 protagoniza Calígula, de Albert Camus, al frente de un elenco de 12 actores, en su gira nacional e internacional; y en 2012 protagoniza Tío Vania. Esta relación con L’om-Imprebís no le impide protagonizar otras producciones, como el Ubú Rey que Álex Rigola dirige en 2002 para el Teatro de la Abadía, en Madrid, o Los mejores scketches de Monty Python,s: Flying Circus, una producción de Yllana dirigida por Joe O’Curnee y Santiago Sánchez. Aunque su carrera es eminentemente teatral, no está exenta de incursiones en la gran pantalla. Así, trabaja en películas como Carne de Gallina, de Javier Maqua (2000), Horas de Luz, de Manuel Matjí (2004), Reinas, de Manuel Gómez Pereira (2005), y Pájaros de papel, de Emilio Aragón (2009). Es el 50% de todos los proyectos teatrales y formativos de hilo producciones: Desdémona de Alberto Conejero, fue su primera dirección teatral, y con ella consiguió el premio a la Mejor Dirección en el INDI Festival de Santander en 2009; anteriormente ya había tenido experiencia teatral fuera del escenario, realizando la labor de ayudante de dirección para Maxi Rodríguez en la producción del Centro Dramático Nacional A Bocados, y para Santiago Sánchez en La Mujer Invisible, de Kay Adshead. Con I love Catalina, de la que es autor, director e intérprete, consiguió un nuevo premio a la Mejor Dirección en el INDI Festival de Santander en 2011. Y el montaje fue nominado como Espectáculo Revelación en los Premios MAX de teatro. También es director, autor e intérprete de Criados y bufones, con la que ha conseguido el Premio OH! al Mejor Autor Teatral 2014, concedido por la ACPT (Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias).
En 2013 escribe y dirige Casa Palabra, su primera incursión en el teatro infantil y con la que hilo participó en varios proyectos de creación de públicos y campañas escolares (Zafarrancho, Cole al teatro y Teatro de una noche de verano). En 2015 estrena Anónimo, su particular versión del Lazarillo, que también interpreta; y que ha sido Nominado como Mejor Espectáculo y Ganador de Mejor Actor Masculino Protagonista -Sergio Gayol- en los Premios OH! 2016. En 2016 escribe, dirige y protagoniza Cervantada, su particular visión de textos de Cervantes, y que actualmente protagoniza en gira nacional. Tambien participa en Carne de gallina, dirigida por Maxi Rodríguez; con su interpretación ha logrado el Premio al Mejor Protagonista Masculino en los Premios OH! 2015 y la candidatura a los Premios MAX 2015 como mejor Actor Protagonista. En 2017 escribe, co-dirige y co-protagoniza CRAKE (cuando el mundo era un niño), el segundo espectáculo infantil de la compañía, seleccionado para participar en FETEN2018. En 2018 escribe, y dirige Cuentos de las Cuatro Estaciones, dedicado al publico de 2 a 5 años, con el que participa en los circuitos escénicos de Cantabria y la campaña escolar Cole al Teatro. Su último estreno, en 2019, ha sido Tal vez soñar, una reflexión sobre el papel de la mujer en las obras de Shakespeare, que dirige y coprotagoniza. Con casi 20 años de experiencia teatral en los ámbitos de la interpretación, improvisación artística, escritura dramática y dirección escénica, Sandro Cordero ha impartido, además, numerosos cursos de interpretación y técnica vocal tanto para profesionales de la escena como para no profesionales.
Fue socio fundador y vicepresidente de La Redonda, en Vioño de Piélagos, uno de los espacios culturales más activos de Cantabria, en el que desarrolló además grupos de entrenamiento para actores de 2016 a 2018.
Es la mitad artística de hilo producciones.
PREMIO DEL PÚBLICO Y PREMIO MEJOR DIRECCIÓN INDIFESTIVAL (santander) 2011
PREMIO OH! 2014 MEJOR AUTOR SANDRO CORDERO Concedido por la ACPT-Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias-
PREMIO OH! 2015 MEJOR actor protagonista SANDRO CORDERO Concedido por la ACPT -Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias-
CANDIDATO AL MAX A MEJOR ACTOR MASCULINO PROTAGONISTA 2015
CANDIDATO A PREMIO OH! 2016 MEJOR aUTOR SANDRO CORDERO Concedido por la ACPT -Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias-

Conocí a Sancho Panza en el espectáculo “Quijote”, de la compañía Imprebís. Hicimos casi 400 representaciones (prácticamente la totalidad del territorio nacional y varios países extranjeros como Francia, México, El Salvador, Perú o Guinea Ecuatorial). Desde entonces el personaje de Sancho Panza me acompaña. Es como ese viejo amigo con el que a veces no te ves durante un tiempo, pero nunca se aleja demasiado, siempre está presente. Sancho y yo volvimos a encontrarnos en “Yo soy Don Quijote de La Mancha”, junto al Quijote de Pepe Sacristán, y fue muy bonito porque ambos habíamos madurado, habíamos perdido quizá cierta inocencia y ganado templanza. El resultado fue un Sancho soñador, sabio, bueno, pero más apegado a la tierra, más socarrón. La última vez que nos vimos fue el año pasado, para la presentación de la marca turística Valle de Alcudia, en Almodóvar del Campo, donde una espectadora me dijo “mira tú, que venga un asturiano a enseñarnos el mejor Sancho Panza que hemos visto”. Fue el encuentro más íntimo que tuve con mi amigo Sancho, quizá porque no estábamos a las órdenes de ningún director escénico, como en las anteriores ocasiones. Y nos dimos cuenta de que, aunque aparentemente no tuviésemos nada que ver, como insinuó la espectadora (Yo, un asturiano de mar, montaña y verde; él, un manchego de campo, llanura y amarillo), nuestras semejanzas internas nos convertían en hermanos de alma. Fruto de este último encuentro nace la idea de “Cervantada”, donde ambos trabajaremos codo con codo con total libertad de creación. Y ambos estuvimos de acuerdo desde un principio en que no debería ser un espectáculo para su lucimiento ni el mío, sino para honrar y recordar a un buen amigo de ambos: Miguel de Cervantes. Yo pondré mi cuerpo y mi voz, y Sancho su ingenio y sabiduría para celebrar al más grande escritor en lengua castellana.
Sandro Cordero

Hilo producciones nace en Santander en 2008, de la mano de Begoña García, después de más de 20 años de experiencia como productora teatral en distintas compañías nacionales. En esta aventura le acompaña Sandro Cordero, como responsable de la parte artística, como autor, director y actor de sus montajes más emblemáticos.
Desde nuestros inicios hemos apostado por dos líneas de trabajo: las revisiones de los textos teatrales clásicos, que nos permiten acercar a los grandes autores al público actual; y las producciones "efímeras", las que creamos para cubrir las necesidades específicas de un cliente concreto.
Y sobre todo nos gusta trabajar para crear públicos y captar audiencias, para hacer llegar el teatro a los más jóvenes, al público que está por venir. Por eso apostamos por el desarrollo de campañas para escolares (Cole al teatro, una campaña creada desde la iniciativa privada en colaboración con instituciones municipales) y en proyectos de creación de audiencias de base (Will is in the air, que acercó el espíritu de Shakespeare al aula; Zafarrancho, una jornada creativa en las aulas de los colegios de Santander; o Esto NO es un libro, que auna las artes escénicas con los clásicos de la literatura universal).
Algunos datos:
- En estos 12 años hemos estrenado 30 espectáculos
- Los últimos 3 años hemos mostrado nuestro trabajo en 7 Comunidades Autónomas y hemos puesto en marcha proyectos de difusión teatral: Cole al Teatro (ver www.colealteatro.com), Teatro de una Noche de Verano, Will is in the air, Zafarrancho y Esto NO es un libro (proyectos apoyados por la Fundación Santander Creativa).
- También hemos participado en campañas escolares institucionales: ya nos han visto más de 40.000 escolares.
- Como nos gustan las sinergias y conocer nuevas formas de trabajo hemos abordado coproducciones con empresas teatrales cántabras y asturianas: No hay actor (Escena Miriñaque 2011); Gaviota 2.1 (Freedonia Producciones 2011); Criados y bufones (Teatro del Cuervo 2012), Anónimo (Teatro del Cuervo 2016) - hilo es miembro de ACEPAE y FAETEDA Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza).

‘El percusionista’
Ábrego Producciones

Es una obra teatral escrita desde la ilusión de que el teatro africano comenzara a difundirse en castellano y con el anhelo de contar lo fascinante que es África: la cultura, la tradición oral, las filosofías ancestrales y sobre todo la importancia de la música para los africanos.
El protagonista cuenta su historia (que incluye la emigración en busca de mejores oportunidades) sostenida sobre la relación especial que mantiene con su abuelo. Es una historia, de tradiciones, de cultura y de vida.

Sinopsis:
"Si la vida es como la música, llena de ritmos, el mundo entero es una gran orquesta en la que cada ser humano es un instrumento musical". "Cuando toques, hazlo desde el corazón…".

Un músico anciano instruye a su nieto a través de la música le transmite sabidurías y filosofías ancestrales. La vida transcurre en la aldea, con el muchacho inmerso en sus tradiciones. Cumpliendo el dicho africano: "los días que hacen crecer a los niños, son los mismos que envejecen a los ancianos," el abuelo cae enfermo, a consecuencia de su vejez, comienza a perder la visión. El afán por curar a su abuelo, hace que el muchacho tome la decisión de dejar la aldea y emigrar a las grandes ciudades en busca de remedio. Parte hacia Europa, un mundo para él desconocido, llevando consigo únicamente el saber de su pueblo encerrado en las melodías y ritmos ancestrales.

El Percusionista es una obra interactiva en la cual el público juega un papel importante; el espectador viaja con el personaje, compartiendo sus historias, su música, sus canciones y su visión de la vida.
Una propuesta dinámica que sorprende por su sencillez, ya que llega al espectador  a través de la música y la palabra.
Es un espectáculo que refleja la esencia de la performance africana. El espectador se siente transportado al abáa - la casa de la palabra- el lugar de encuentro. Un lugar dónde no existen espectadores pasivos, un sitio en el cual -como dice el texto - "el tiempo no se  gana ni se pierde: se comparte".
El personaje cautiva al público con sonidos, ritmos, danzas, proverbios tradicionales, haciéndole participe y testigo de un mundo que sorprende por la universalidad de sus enseñanzas.

Estructura y recursos estilísticos

La característica esencial del teatro africano, es que apela a diferentes y variados recursos expresivos que interactúan entre sí, brindando una obra única, que es mucho más que la sumatoria de sus partes.
Esencialmente, El Percusionista reúne las 3 condiciones de la tradición cultural africana: informa, forma y entretiene.

Un componente destacable es el uso de la palabra, escogidas y pensadas en función del ritmo. El hombre habla, pero su diálogo asume por momentos la sensibilidad y métrica de los poemas.  Otras veces, juega con las palabras en trabalenguas en lengua Fang, un juego que comparten niños y adultos en las aldeas africanas.

Como dice Gorsy Edú “a las palabras hay que quererlas, acariciarlas, mimarlas”. Es con ese cuidado que el texto de El Percusionista va transcurriendo entre la narración, la evocación, la duda sobre los valores del mundo, con una mirada inocente pero no por eso menos profunda.

Al personal ritmo que el hombre africano imprime a la palabra hablada, Edú le suma la veneración que merece pues cuando habla sobre la misma boca que besa para luego ofender, pone al descubierto la banalización de un don que solemos transformar en desgracia.

Las descripciones de los hechos y personajes son minuciosas y apoyadas por el gesto y la expresividad del narrador. El hombre se transforma en otros hombres, mujeres y niños. Incluso en animales. Y a la elocuencia del texto, suma movimientos rítmicos y gestos sumamente expresivos y detonantes tanto de la risa como del llanto.

El personaje parte desde su nacimiento en medio de la naturaleza en circunstancias graves. Y no es casual que los primeros personajes en aparecer en escena sean mujeres: madre y abuela.

En El Percusionista queda claro que la mujer africana, de apariencia frágil y liviana como arena del desierto, tiene su misma firme voluntad para sobrevolar las circunstancias duras de la vida y formar entre todas médanos enormes de contención y dulzura.
En la cultura Fang, las mujeres son las depositarias de historias cantadas, que enseñan y transmiten a su propia prole y a la familia extendida. Así, la mujer aparece pariendo, sufriendo y socorriendo. Trabajando al ritmo de canciones del corazón, arrullando al hijo en sus espaldas con bellas melodías, aguardando en la Casa de la Palabra – àbáá- noticias del hijo lejano.

Es justamente allí, en el recinto sagrado de la Casa de la Palabra dónde el abuelo percusionista instruye al nieto. Es allí dónde el niño forma y templa su carácter con la vara larga y resistente de las filosofías ancestrales, a través de la voz y las canciones del abuelo.

El anciano está tan presente toda la historia, como el protagonista que la cuenta. A veces presentido por el espectador, otras públicamente manifiesto. Pero es tan protagonista como el nieto. A veces se confunden pues el nieto está tan seguro de las enseñanzas del anciano - lo que ha vivido y visto lo sorprende en verdad, pero no deja sin embargo de parecerle familiar y cercano- que las palabras surgen como si viajaran a través de esas dos almas cercanas.

El abuelo habla sobre la vida al nieto.
El nieto interpreta la vida a través de la visión del abuelo.

Sin embargo, no es una mímesis con el anciano, al contrario, es la libertad conquistada en base al conocimiento vivencial de las filosofías ancestrales, al respeto por los mayores y la observación atenta del tempo sobre el tiempo.

Muchos otros recursos del arte africano son aplicados con maestría por Edú en su obra prima. Cabe descubrirlos, pero no para analizarlos sino para vivirlos y ser parte de lo que va sucediendo en el escenario.

‘A dos metros de tí’
(Lectura dramatizada para gente desconfinada)
Hilo Producciones

Público: Adulto. De 14 a 100 años.
Duración: 50'
Selección, adaptación de textos y dirección: Sandro Cordero.
Intérpretes: Sandro Cordero y Laura Orduña.
Vestuario: Azucena Rico.
Música: Mr. Wonder.
Iluminación: Pancho Villar.
Producción: Begoña García.
Nuestra propuesta para esta edición de Teatro de una Noche de Verano es una lectura dramatizada de textos -cuentos, poemas, narraciones breves... -, específicamente pensada para desarrollar la experiencia escénica con total seguridad en los tiempos de la Nueva Normalidad... Con ese nexo común de la vuelta a los escenarios, que nos obliga a estar A DOS METROS DE TI, se presentan textos para disfrutar de la esencia del hecho escénico: actores interpretando.
Los textos a representar se seleccionarán en función de su interés para el público -de los clásicos a los autores actuales- y por su estructura dramática; de forma que durante 50' las piezas supongan un viaje sobre el escenario de interés para todos los públicos.
Ya hemos desarrollado proyectos de estructura semejante para distintos clientes:
- La Torre de Don Borja: Esto NO son cuentos de Navidad.
- Ayuntamiento de Marina de Cudeyo: Mujeres de Cuento.
- Fundación ONCE: Cuentos que Nadie te cuenta.
- Centro Botín: Cuento de Navidad.
- Proyecto Más que leer: Un mundo de Cuentos.
Con un formato de dos actores que limitan su interrelación física sobre el escenario A DOS METROS UNO
DEL OTRO y un espacio sonoro que envuelva la acción creando ambientes y originalidad para los textos.
Los intérpretes serán Sandro Cordero y Laura Orduña, los pilares de interpretación de hilo que, como en otras ocasiones, demostrarán su compenetración y destreza en la creación de auténticas pequeñas joyas en
las distintas piezas que formarán el espectáculo.
A DOS METROS DE TI es una lectura dramatizada. Entonces, ¿los actores leen? Sí. Pero entonces, ¿es teatro? Por supuesto. Y muy dinámico. Con la energía, el humor y la complicidad con los espectadores de la que hilo producciones siempre hace gala. Sin perder la esencia del “contar” , nos serviremos de todos los elementos teatrales técnicos y artísticos que necesitemos para que el público disfrute de una gran representación teatral leída, con una cuidada producción del ambiente sonoro.